The Gun Club - Miami

Nota: 10+
Mejor tema: Mother of Earth.

Peor tema: Eeeeehm… ¿Texas Serenade?

1)      Carry Home
2)      Like Calling Up Thunder
3)      Brother and Sister
4)      Run Through the Jungle
5)      A Devil in the Woods
6)      Texas Serenade
7)      Watermelon Man
8)      Bad Indian
9)      John Hardy
10)    The Fire of Love
11)    Sleeping in Blood City

12)     Mother of Earth

Sí, gente. Sé perfectamente lo que están pensando. Ya estoy poniendo demasiados dieces en esta página, e incluso con signo más, lo que significaría que estos discos son más que perfectos. O sea, ¿quién quiere leer una página de críticas donde cada tema está en rojo (lo que significa que es un clásico) y donde cada disco tiene la nota más alta posible? En cierta forma, extraño la época en la que podía ser más exigente e imparcial, pero desde 2020 (con el inicio de la pandemia) me volví mucho más laxo y me empezó a encantar todo. Sin embargo, creo en mi capacidad de seguir escribiendo críticas certeras e interesantes de leer, y lo importante es que se lleven auténticas joyas para escuchar. Joyas como este segundo disco de The Gun Club.

La banda firmó en abril de 1982 con Chris Stein de Blondie para grabar en Animal Records, lo cual vendría a ser algo así como «el sueño del pibe», ya que Jeffrey Lee Pierce era full fanático de Blondie, e incluso la propia Debbie Harry hizo coros en un par de temas (entre esto y el hecho de que ella le pasara una fórmula para tener su mismo rubio en el pelo, Jeffrey debía ser el tipo más feliz del mundo. O no, porque si no, no hubiera estado metido en las drogas y el alcohol. Quién sabe). Eso sí, con el seudónimo D.H. Laurence Jr. Esto hizo que la banda se asentara por un tiempo en Nueva York para grabar esta segunda placa, y también fue Stein quien se los produjo. Completito todo. La formación de este álbum es la misma que la del debut: Jeffrey Lee Pierce en la guitarra y la voz, Ward Dotson en la segunda guitarra, Rob Ritter en el bajo y Terry Graham en la batería, aunque Ritter no aparece en la foto de la portada ya que para ese momento había dejado el grupo, no sin antes enseñarle sus partes a la futura bajista del grupo: Patricia Morrison. Y me refiero a las partes de bajo, malpensados. De bajo en tanto instrumento musical, no en tanto biología, malpensados. El disco fue muy bien recibido por la crítica, hasta el punto en el que la revista New Musical Express (NME) lo puso entre los cincuenta mejores de 1982. Y con justa razón.

Este disco no se aleja tanto de «Fire of Love» estilísticamente hablando. A lo sumo es un poco más maduro y con momentos de más calma y menos visceralidad que aquél, pero en sí no siento que cambie tanto. Tampoco es como «Master of Puppets» de Metallica, que copiaba al pie de la letra la estructura de «Ride the Lightning», pero hay muy pocos cambios de forma. Lo que sí mejora levemente (que tampoco es que pudiera mejorarse un montón) es la consistencia y el nivel de las canciones. Mientras que en el debut terminaba de forma no tan estelar con Goodbye Johnny, acá el nivel no baja nunca. Son todos temazos de principio a fin, sin el más mínimo bache. También destaco que los dos covers que hay acá son muy probablemente los dos mejores que hizo jamás la banda, y que de paso el tema final es directamente mi tema favorito en la historia del grupo. No creo que nadie en su momento fuera tan puntilloso de decir «Sí, Fire of Love es una joya, ¿pero que no pueden hacerlo mejor? ¿Es que tienen miedo?», pero la banda supo leer el ambiente para superarse en donde pudieran superarse y mantener al mismo nivel lo que pudieran mantener. Bah, no se puede decir tampoco que supieran leer el ambiente porque en ese caso habrían hecho algo más apto para vender al gran público, pero en cambio prefirieron pasar a la eternidad por haber grabado el que quizás sea el mejor disco punk de la historia y de paso coronarse como la mejor banda punk de la historia. Poca cosa, ¿eh?

Pasando a los temas, Carry Home empieza como un tema típico del género, pero sin perder el gancho en su construcción, hasta que en el estribillo se vuelve más tranquilo para después volver a explotar, conformando esa dinámica «fuerte-suave-fuerte» que definitivamente enamoró e inspiró a los Pixies y posteriormente a Nirvana. Tampoco podemos olvidar esos increíbles arreglos de slide y arpegios country que le dan el sello distintivo. Like Calling Up Thunder es menos tormentosa y abrasiva, pero sigue rockeando de lo lindo con sus guitarras punk blueseras y un estribillo bien gritón y pegadizo, además de otro solo tipo country que lleva la marca de The Gun Club. Seguimos con Brother and Sister, que parece más un tema de power pop pasado por el filtro del punk (que tampoco es que esos géneros estén tan lejos entre sí. Otro día explico). Es totalmente pegadiza, y Rob Ritter gatilla el trasfondo ideal con su bajo. Después de eso llegamos al primer cover del disco: Run Through The Jungle, original de Creedence Clearwater Revival. Me encanta el tema original, pero esta versión la hace pelota al duplicar o triplicar la oscuridad y sensación de amenaza. Jeffrey suena más tranquilo durante los versos, pero irónicamente logra un efecto mucho más desesperado y aplastante que John Fogerty, aunque en el estribillo sí se grita la vida, y el tratamiento más filoso de la guitarra es simplemente perfecto e ideal. Como curiosidad, Jeffrey contó en su biografía que no entendía bien lo que cantaba Fogerty, así que reescribió los dos primeros versos, mientras que el tercero está sacado del tema M. & O. Blues de Willie Brown. O sea, una reinvención total le hizo, y gracias a Dios, ya que esta es mi versión favorita que haya hecho la banda y una de mis versiones favoritas en general. Una auténtica obra maestra y quizás el segundo mejor tema del disco.

A Devil in the Woods empieza con la mejor labor de bajo en todo el disco, al que se le suma la batería unos segundos después y en conjunto logran dar una sensación «aérea», como una lluvia de artillería. Mientras tanto, Pierce se deja la garganta al estilo del mejor Black Francis y al minuto dos tenemos un nuevo arreglo de guitarras con un efecto entre sitar y música country que es único. No escuché nada parecido en ningún lado, y todos estos elementos conforman otra montaña de canción. Texas Serenade empieza con un nuevo riff filoso, pero los arreglos vaquerizados no tardan en aparecer para empapar de personalidad a la canción. La melodía vocal puede no ser tan atrapante esta vez, pero la convicción con la que está cantada lo compensa por mucho, y el estribillo es fantástico. Se siente como un eclipse, si entienden a lo que me refiero. Tampoco puedo dejar pasar el torbellino vocal de la coda. El tema no tiene mucha variación y encima es el más largo del disco (cuatro minutos con cuarenta segundos, así que tampoco es que sea tan largo), pero logra pasarse en un suspiro y mantenerse siempre interesante. Diría que es mi momento menos favorito de toda la obra, pero tampoco es un gran problema porque quedó claro que no hay un solo punto flojo acá. Quedó claro, ¿no? Y seguimos con el tema más bizarro de todos: Watermelon Man, cuyo nombre siempre me hace pensar en el Melon Lord de la serie del Avatar Aang. Para quienes no lo sepan, este es un apodo que le pusieron los fans al personaje Toph Beifong por su gusto por las sandías. Encima Toph siempre viste de verde, y la tapa de este disco es verde. ¿Coincidencia? No lo creo. Pero bueno, que paso a explicarles por qué me refiero a este tema como bizarro. Lo es porque representa una combinación de ritmos tribales, violines country, feedback constante por parte de la guitarra, una letra repetitiva y un estribillo prácticamente ritual. Debería ser un desastre, pero no solo no lo es, sino que forma un paisaje sonoro absolutamente fascinante y tóxicamente adictivo. Puede ser complicado de digerir al principio, pero tiene algo que hace que con las sucesivas escuchas se te quede enroscado en la cabeza y no tengas forma de sacarlo. Por cierto, este es uno de los temas en los que participa Debbie Harry haciendo segundas voces. En lo que resulta un contraste muy alto en lo musical pero muy bajo en lo espiritual, Bad Indian tiene un riff que directamente saca chispas de lo filoso que suena. Es un milagro que no se cortaran todos los dedos tocándolo. Lo que más llega a distinguirse de la batería es el platilleo, pero no por eso los tambores desaparecen ni dejan de aportar lo suyo. En el medio tenemos una breve pausa comandada por el bajo para volver inmediatamente al galope puro tras el grito de «¡Do your war dance!» y no parar hasta el final. Menos mal que dura dos minutos y medio nada más, porque es adrenalina sin concesiones.

John Hardy ya no suena tanto a punk mezclado con country, sino a country tocado a lo punk. Tiene una cadencia musical y vocal que parecería que la estaban grabando mientras galopaban, y los solos aumentan esa sensación vaquera. De acá también se podría decir que salieron los Meat Puppets. Como sea, es otro tema de colección. A continuación tenemos el otro cover, en este caso de Jody Reynolds: The Fire of Love. Es curioso que no apareciera en el disco al que le da nombre. Algo parecido con lo que pasaba con los temas Houses of the Holy de Led Zeppelin y Waiting for the Sun de los Doors. Ya que menciono a los Doors, las primeras cuatro notas del presente tema me hacen pensar en el inicio de People Are Strange, pero en realidad lo que se viene es un machaque lento y mastodóntico de guitarras, mientras que nuestro querido Jeffrey suena lo más sucio y desesperado posible por encima de la música, especialmente durante el estribillo. Al principio no me gustaba mucho esta canción, hasta que dejé que me pase por encima y ahora la dejo aplastarme cuando él quiera. Se los recomiendo un montón. Sleeping in Blood City es todo lo contrario, ya que es mucho más espídica y a los palos, aunque sigue siendo igual de aplastante. Si tuviera que decir qué me transmite exactamente, diría que me da la sensación que debe sentir un heroinómano después de haberse inyectado a lo loco, y logra transmitirlo incluso mejor que She’s Like Heroin to Me. Este tema podría actuar de excelente reemplazo a dicha droga, al menos durante los tres minutos y medio que dura. Se los dejo de tarea, Narcóticos Anónimos. Y ahora sí, ¿qué mejor forma de cerrar el mejor disco de una banda con la mejor canción de toda su carrera? Billy Idol se inspiró en Mother of Earth para componer su famosa White Wedding (esto fue lo que supuestamente le dijo a Jeffrey tras encontrarse con él en un bar de Los Ángeles), pero no importa cuánto me guste ese tema, la canción de The Gun Club la mastica y escupe bien lejos. Lo más irónico es que de punk no tiene nada, sino que es una balada country. ¿Qué más da? Debe ser el tema country más perfecto que se haya escrito en toda la historia. La melodía de guitarra es perfecta, la voz es perfecta (acá Pierce canta con un tono más grave y centrado en vez de sus agudos desquiciados tan típicos), el ritmo es perfecto, la conjunción de todos los instrumentos es perfecta. ¿Qué más se puede decir? Simplemente es uno de mis temas favoritos de toda la vida. Me enganchó desde la primera vez que la escuché y cada vez que la vuelvo a escuchar me gusta más y más. Uno de los mejores cierres de disco de la historia.

Y si borran las palabras «cierres de» y pasan la palabra «disco» al plural, también aplica. Es una obra maestra absoluta, y quizás mi álbum favorito del género que todo el mundo le atribuye su invención a los Ramones aunque ellos no fueran los verdaderos padres de la movida. No solo es genial como conjunto, sino que cualquiera de sus temas individualmente podría entrar en un compilado de grandes canciones punk y ser de lo más destacado ahí. Aunque no se trata de los mismos tres acordes al palo todo el tiempo, sino que hay un nivel de sofisticación y manejo de los tiempos que muy pocos grupos similares podrían igualar. No es un disco revolucionario ya que la novedad era «Fire of Love», mientras que «Miami» es solo la perfección de la fórmula, pero qué perfección. Qué perfección, carajo. Y lo mejor es que la banda después nos regalaría un par de obras maestras más con «The Las Vegas Story» y «Mother Juno», lo que conformaría la mejor seguidilla de discos que haya grabado una banda punk, pero eso es historia para más adelante. Hasta entonces, disfruten de esta obra, que muy probablemente fuera la favorita de Ricardo Fort y sin dudas es el mejor disco de tapa verde en toda la historia. Perdón, «Artaud».

Pescadas - Crisma

Nota: 10+
Mejor tema: Camouflage bordado del primer volumen, Red Blood del segundo y Encrucijada del tercero.

Peor tema: Todos son geniales, pero el menos estelar es Secuencia al volante.

Disco 1: Psicosensorial

1)   Viajando a las entrañas del cebú

2)   Clara I

3)   Secuencia al volante

4)   Opus mecánico

5)   Camouflage bordado

Disco 2: Luminosical

1)      Humano

2)      Clara II

3)      Efecto sin fin singular

4)      Red Blood

Disco 3: Astrosensorial

1)      Encrucijada

2)      Visiones fugitivas

3)      Baby Vap Vela

Este es el disco que despeja todas las dudas sobre el talento que atesora Pescadas. Digo, hay que ser sordo y mala leche para dudar de las habilidades compositivas superiores de este grupo tras haber escuchado el debut, pero este disco logra el milagro de ser todavía mejor. De tomar todas las virtudes que ya habían demostrado que tienen y de potenciarlas exponencialmente. ¿Creían que el grupo ya lo había dicho todo? Acá Vanesa y compañía les escupen en la cara que todavía no dieron todo de sí mismos. Pero estoy volviéndome muy fanático ciego sin dar contexto de la gestación de esta obra magna. Al igual que con el primer álbum, la propia Van Shake me contó la historia de estas grabaciones, y ahora la comparto con ustedes.

Podría empezar contándoles que la banda era mucho de actuar sus canciones. Por ejemplo, había una sobre un apocalipsis y que la gente se había rebajado a comer tierra, lo cual se interpretaba en el escenario (pero no comían tierra real, era todo actuado. No sean yo, que me tomo todo literal). También podría contarles que otra de las hermanas de Irene bailaba y le habían hecho un traje de mariposa con alas que movían con palos e hilos. Incluso podría decirles cómo el grupo llegaba antes a los lugares en los que tocaba para armar la escenografía de la forma más artesanal posible. Pero todo eso no tiene nada que ver con la creación de este álbum, así que centrémonos en lo que realmente importa.

Después de la grabación del debut empezaron los cambios importantes en el sonido y la idiosincrasia de la banda. Durante la presentación de su disco en el año 2006, Vanesa finalmente consiguió el órgano Farfisa, que le otorgaba al grupo el sonido que ella realmente buscaba. Además de eso, Irene se bajó tras varias idas y vueltas y tuvieron que buscar nuevo baterista. Fue una búsqueda difícil, hasta el punto en el que llegaron a tener cinco bateristas al mismo tiempo. Fue un cambio duro, ya que se consideraban una familia más que solo una banda, y no debe haber sido fácil reemplazar a quien simultáneamente era un miembro de la familia y una fuera de serie en su instrumento (me disculpo por no haber hecho suficiente énfasis durante mi otra reseña en el tremendo dinamismo de Irene con las baquetas). Por un tiempo, el baterista principal fue Gabriel «Mosca» Leiva e incluso llegaron a grabar parte del disco con él, hasta que este también empezó a dar vueltas y a faltar a los ensayos. Fue ahí que Vanesa le mandó un mail con lo que básicamente podría definirse como un ultimátum, ya que todas las opciones que le daba terminaban con él dejando el grupo. Al no recibir respuesta, lo tomó como una salida definitiva, y entonces se les ocurrió otra idea: al tener a varios bateristas al mismo tiempo, decidieron que cada uno ensayaría ciertos temas y después tocarían en vivo con todos ellos, cada uno tocando las canciones que ensayaron. Estos bateristas eran Mario Agustín González, Tomás Nos, Manuel San Agustín y Laura Velocitud. Además de ellos, hubo una gran cantidad de músicos invitados tocando otros instrumentos como el corno, la flauta o el cello. Fue de esta manera que tocaban en vivo, e incluso contaron con la ayuda de una sonidista y actualmente amiga de Jiménez para poder ir a tocar a Europa, gira también posible gracias a su en ese entonces productor Ernesto Romeo. El problema era que para la gira solo podían contar con un único baterista, de los cuales solo quedaron como opción Lau Velocitud y Manu, siendo este último el elegido debido a que Velocitud estaba ocupada.

En cuanto a la grabación del disco en sí, el formato de disco triple surgió como idea del productor (conocido como el Ruso, y que murió hace un tiempo por razones que desconozco), ya que tenían varias canciones muy largas. El Ruso, según contó Vanesa en mi charla con ella, era un tipo que tenía su propia radio y estaba muy acomodado económicamente. Él estaba interesadísimo en producir a Pescadas, pero les puso como condición que el disco fuera triple. Si bien la banda ya tenía decidido el orden de las canciones, les pareció una gran idea. Quedaron encantados tanto con el concepto como con la edición física en general, pero tuvieron problemas con el pegamento que usaron para pegar las bases en las que se ponen los discos y a la mayoría de las copias (por no decir a todas) se les sale ese plástico (y yo que pensé que había tenido la mala suerte de comprar la única copia defectuosa en existencia. Ahora estoy más tranquilo. Mal de muchos, consuelo de mediocres). Volviendo al disco en sí, salió en 2014 y el Ruso no solo cubrió los gastos de la grabación, sino que además les financió la gira y el merchandising (remeras, stickers, todo eso. Ahora quiero una remera de Pescadas). Lo más interesante de todo es que la banda concibió al álbum como uno a la vieja usanza. Es decir, que conservara esa «magia» de antaño de ver el librito, el arte conceptual y de que el disco se terminara, quedando solo el silencio y la necesidad de sacarlo del reproductor, y no que siga sonando música recomendada por un algoritmo después. Es por esto que decidieron que también tuviera versión física, aunque solo está en CD y no hay versiones en vinilo, cosa que a Vanesa le hubiera encantado. Otra cosa curiosa que me contó es que la portada fue producto de la colaboración entre un diseñador gráfico y los miembros el grupo, ya que estos presentaron un boceto de lo que querían y el artista llevó el concepto a su mejor forma, además de que los diferentes objetos y elementos que se ven son representaciones visuales de las canciones del disco. Por ejemplo, la chica mirándose al espejo representaría a los temas Clara I y II, las bocas superpuestas serían Red Blood, el bebé saliendo como de una semilla sería Baby Vap Vela y así sucesivamente. Y el inodoro sería una nave para viajar entre dimensiones. Después de eso la charla se desvió (para bien, por supuesto) y no hubo más información relevante sobre el grupo salvo por el hecho de que Vanesa y Luciano se separaron (eran pareja), y eso hizo que el grupo dejara de existir en 2016. Si bien los dos están en buenos términos, no hay planes de unir a la banda de nuevo. Una pena, pero lo bueno dura poco. Ahora sí, vamos a lo nuestro.

Tengo tanto para decir sobre esta joya que no sé por dónde empezar. Esta suele ser la frase comodín que usa la gente para no desarrollar una idea, pero yo no soy como todos los demás (Como la canción de los Kinks: I’m not Like Everybody Else), así que voy a empezar a desarrollar. Vamos por algo simple: la portada y el arte conceptual. No exagero al decir que esta es una de las mejores ediciones físicas que haya visto en un disco. Dejando de lado el defectito de que no estén bien pegadas las bases plásticas para poner los discos, todo lo demás es impecable. El formato de caja de cartón está muy bien hecho (no es ese cartón berreta que se desgasta tan rápidamente), la portada es súper original y colorida (ahí arriba la pueden ver), las fotos vintage que aparecen en la caja son un lujo y hasta el librito tiene dibujos tremendos para deleitar la vista. El único detalle que no me gusta tanto es que las letras de las canciones no están incluidas, y es una lástima, ya que me encantaría saber qué es lo que cantan sin tener que adivinar. Esa es la única queja que tengo del disco, así que imagínense lo que es la música. Aunque el debut también era una maravilla de colección de canciones, estas por momentos eran demasiado cortas y no tenían tantos giros inesperados, por lo que alguno podría quedarse con ganas de más. Acá eso queda corregido. Cada canción tiene ideas musicales suficientes para componer un disco entero, además de que la inclusión de instrumentos más diversos le da matices en los matices. Ni siquiera puedo quejarme de la producción, que hace que todo se escuche nítidamente y que las canciones sean dinámicas. Tampoco se puede dejar pasar la diversidad de estilos que abordan. Mientras que el primer disco era poco más que rock psicodélico con toques de punk y surf, acá hay eso y más. Progresivo, heavy metal, jazz, pop, rock teatral, math rock… es un esfuerzo apabullante, y me deja FASCINADO cada vez que lo escucho. Los fans de Syd Barrett, Frank Zappa y Gong TIENEN que escuchar esto. Tampoco exagero si les digo que absolutamente cualquier canción de este álbum hubiera sido la mejor del debut. Lo juro. Así de bueno es. Pero en fin. Pasemos a las canciones, que quiero hablar de ellas.

Empezamos con el volumen «Psicosensorial», que abre con el tema Viajando a las entrañas del cebú, el cual tuvo un video y todo. En serio, mírenlo, que es una total locura. Y la canción no se queda atrás en cuanto a bizarrez. Musicalmente vendría a ser una especie de garage pop rock psicodélico que se caracteriza por unos riffs de guitarra cargados de efectos astrales, una batería que llena todos los surcos, unos solos de teclado bien flasheros pero cargados de musicalidad y una estupenda pista vocal donde Vanesa suena igualita (pero igualita) a Robert Plant. Si me hubiera dicho que lo invitaron a él a cantar, me lo creía sin problemas. Tremenda oportunidad de boludearme que se perdió. Este tema tiene de todo y te deja en éxtasis nada más arrancar. Clara I no solo no se queda atrás, sino que hasta podría ser mejor. Empieza con un solo de teclado tremendamente soleado y esperanzador para después pasar a una parte cantada cuya cadencia e inflexiones me recuerdan mucho al estilo de cantantes como Nina Simone o Aretha Franklin, y aun así el tema mantiene el estilo experimental y volado con grandes melodías por todas partes, sobre todo en la recta final. Secuencia al volante es menos melódica y aun así está llena de encantos. Su arranque tenso y espídico lleva a una sección de ruidos de teclado que realmente hacen pensar que algo maligno se viene. Después se escucha una percusión, un grito de una chica y la canción en sí, en la que la letra está recitada más que cantada y hay un solo disonante de teclado tipo jazz y la batería a tope. Este tema tiene un componente mucho más teatral en su desarrollo e interpretación. Como dije antes, no tiene tantas melodías atractivas, pero el ambiente que logra es impecable y siempre hay algo ocurriendo, así que la marco como un temazo aunque sea el temazo menos temazo de este discazo. Opus mecánico suena como un tema del primer disco, lo cual tiene sentido ya que leí (entre la poca info que pude encontrar fuera de hablar con Van Shake) que es un tema antiguo y que recién grabaron acá. Eso no significa que no sea excelente de todas formas. Es lo más corto de toda la obra (solo dos minutos), pero aun así ofrece deleites musicales y un ambiente estrafalario que lo hace parecer la banda de sonido de un episodio de «Los autos locos». Sí, definitivamente me imagino a Penélope Glamour, Mafio y sus pandilleros, Brutus y Listus y toda esa galería de personajes corriendo al ritmo de esta canción mientras Pierre Nodoyuna y Patán intentan sabotearlos para ganar la carrera, aunque nunca lo vayan a lograr. Para cerrar este volumen tenemos Camouflage bordado, que de paso es el mejor tema de la primera parte. Arranca con un arpegio oscuro que se va fundiendo con los teclados, los cuales toman la batuta para tocar lo que parece una canción de cuna completamente malvada. De hecho, me imagino a Luciano (que supongo que es quien canta el tema) arrullando a su hijo con esa melodía desoladora: «Corre, corre hacia el sol/disfrutas cuando su miel cae sobre tu cuerpo y sigue alumbrándote». Dios, los traumas que desarrollaría un pibe si le cantan esto. El teclado va desarrollándose en un solo a lo Ray Manzarek, se escuchan pájaros de fondo, pasados los cinco minutos la guitarra grita, cambia la melodía vocal a algo que parece que nos quisieran adoctrinar con las letras y así van pasando cosas y cosas hasta que el tema da la vuelta al mundo y termina con el arpegio del inicio. A pesar de los casi ocho minutos que dura, en ningún momento se pierde el interés. Tremendo cierre a esta primera parte.

Después viene «Luminosical», que arranca con el riff casi metalero y cargado de fuzz de Humano. Se nota en el estilo de la guitarra que intenta parecerse a algo que haría Tony Iommi, e incluso la parte cantada siento que le quedaría como anillo al dedo a Ozzy Osbourne. En definitiva, todo el tema grita «¡Black Sabbath!» a los cuatro vientos, pero el Sabbath más progresivo de «Sabbath Bloody Sabbath» y «Sabotage» gracias a su sofisticación acentuada por el uso de flautas y clavicordios. Clara II sería una reescritura de su primera parte. Mejor dicho, una reelaboración, ya que la estructura es parecida pero las melodías son diferentes. Su introducción de teclado esta vez es más corta y relajante, la parte cantada es todavía más jazzística que antes, la batería es más dinámica y de a poco se van levantando riffs pesados y paredes de órgano (musicales, digo. No humanos) que parecen sucumbir a la locura de manera progresiva y metódica, especialmente con esos coros reverberados. A pesar de ser una continuación de otro tema, tranquilamente podría pasar por una canción independiente si le cambiaran el nombre. ¿Ven lo que les digo? No hay dos temas iguales acá, ni siquiera cuando pretenden serlo. Efecto sin fin singular, si no me equivoco, había sido mencionada en la letra de Humano. No estoy seguro, ya que no tengo las letras para comprobarlo o desmentirlo, pero juraría que en una parte de aquella mencionan este título. Eso acentuaría la conceptualidad de la obra. Algo así como cuando Damo Suzuki cantaba «Mushroom/Oh yeah/Paperhouse» en Halleluwah con Can. Pero bueno, volvamos al presente. Arranca con ese riff tormentoso que se ve interrumpido por la batería, el teclado marchoso y los tarareos del grupo. Debería decir que esos tarareos están fuera de lugar, pero no creo que realmente sea así. Son divertidos y pegadizos y no siento que arruinen el mood oscuro de la canción, además de que desaparecen después de un rato solo para ser reemplazados por esos diálogos entre la guitarra y el teclado que tienen la perfecta forma de nubes de tormenta. Tremendo panorama. Para cerrar con broche de oro esta segunda sección viene Red Blood, que por algún motivo me recuerda al estilo de Captain Beyond, aunque no sé por qué. Quizás sea por sus toques de blues y progresivo, quizás sea por sus constantes cambios de ritmo. Empieza con un tono medio blusero en la forma de cantar, la batería hace un solo que uno asociaría con el cierre de una canción y no con su apertura y después entra el riff de teclados a toda velocidad. Esta sección también me la imagino como soundtrack de una carrera de autos. Pasado el minuto y medio viene otro segundo símil final, esta vez por parte de la guitarra, el cual se extiende y se extiende hasta que es reemplazado por los sintetizadores y el órgano y de ahí entra una sección más oriental y mantraica. Después de eso viene un tarareo que va pasando de lo melódico a lo desquiciado, hasta que en la coda (ahora sí es la coda) Vanesa directamente suplica a los gritos al cantar, en un efecto que siempre me da escalofríos. Los últimos segundos los protagoniza una línea de guitarra que directamente parece venida de una dimensión diferente a la del resto del tema y que desde ya la cuento entre los mejores finales que haya tenido un tema. Pasan tantas cosas en esta canción que no me creo que solo sean cinco minutos, cuando hay grupos que con una sola de todas estas partes te arman un disco entero de una hora. Es milagroso.

Ahora viene la tercera y última parte de este triple: «Astrosensorial». En mi humilde opinión, este es el mejor de los tres volúmenes. La principal razón es el brutalísimo tema abridor, llamado Encrucijada. El mejor tema de este volumen, el mejor del disco entero, el mejor de Pescadas y uno de los mejores temas del siglo XXI y de toda la historia de la humanidad. Esta canción es como una ola gigante de antimateria saliendo de los parlantes y borrando de la existencia todo lo que toca. Algo así como un equivalente a «Crisis en tierras infinitas» de DC Comics, con Pescadas siendo una especie de Antimonitor musical. Desde el inicio a pura psicodelia oscura, el posterior solo casi de iglesia, el bajo robótico y todo lo que sigue, este tema es un monstruo. Una entidad viva que te mastica y te traga. No es que uno digiere este tema, sino que es este tema el que lo digiere a uno. Si tuviera que destacar un momento, sería ese tremendo riff surf-psicodélico que viene después de los nueve minutos, que es punto culmine de esta montaña rusa. Después el tema se va apagando de a poco, como si esa criatura ya estuviera vieja y cansada y solo le quedara dormir para morir plácidamente. Escribí mucho y dije poco, porque realmente no hay palabras para describir a esta cosa. Hay que sentarse a escucharla. Y guarda que lo que sigue no desmerece en absoluto. Las percusiones y xilofones con los que empieza Visiones fugitivas pueden interpretarse como el mundo renaciendo después de que todo lo anterior haya sido borrado. Un nuevo inicio que da miedo y que no es fácil de asimilar, pero que vale la pena. Esa parte recitada por Vanesa me hace imaginarme a una mujer perdida en medio del vacío y acostumbrándose al mundo nuevo, con sonidos espeluznantes por todos lados. De a poco se va volviendo más musical, pero sigue siendo aterradora. La mayoría de los grupos de metal en cualquiera de sus variantes intentan transmitir esta oscuridad mediante ruido extremo y berridos psicópatas y no lo hacen ni un cuarto de bien que acá. Por último, ya como cierre cerrador último ultimísimo que le pone cierre a esta obra que cierra está Baby Vap Vela. El inicio es un poco más movido y lo más cercano a optimista que tiene este tercer CD, aunque inmediatamente vuelve la noche sin estrellas con los tarareos, el corno elefante, el violín, las guitarras acústicas y todo tipo de instrumentos. La atmósfera es mucho más selvática esta vez, pero sigue generado desprotección. Lo último que escuchamos son esos coros sobrecogedores que repiten el título del tema y todo se va desvaneciendo en el aire hasta que ya no queda nada. Im-pre-sio-nan-te.

Bueno, supongo que no fui muy efusivo con respecto a mi amor por este disco. Es por eso que voy a dejarlo completamente claro en esta conclusión: este disco es una obra maestra, el mejor disco que escuché del siglo XXI y quizás uno de los diez o quince mejores que escuché en mi vida. Este tipo de cosas las digo siempre, así que dudo que sigan teniendo algún efecto en quienes me leen, por lo que voy a ser más específico. Este es el mejor disco que descubrí en 2024 y el mejor que escuché del siglo XXI HASTA AHORA. Es decir, que con el tiempo puedo llegar a encontrar otro que me guste más. Está difícil, pero no es imposible. Resumiendo, este disco tiene todo. Buen formato físico, buen arte conceptual, buena música, varios grandes músicos en su tope técnico, mucha diversidad, buena producción y es muy experimental. No lo llamaría «revolucionario», pero sí que es un mundo aparte y distinto a cualquier cosa, que tiene retazos del pasado pero que también suena actual (la actualidad de cualquier época). Una lástima que el grupo se separara y que no vaya a juntarse más (aparentemente), pero es que es difícil continuar una obra cumbre como esta. Probablemente hubieran hecho otro discazo, pero no creo que llegara al nivel de sus dos producciones. Sin embargo, como soñar es gratis y no tengo forma ni de confirmarlo ni de desmentirlo, prefiero imaginar que su tercer disco hubiera sido el mejor de la historia o uno de los cinco mejores al menos. Para cerrar esta reseña y no ser tibio, les digo lo siguiente: la mejor banda de los últimos treinta años es argentina y se llama Pescadas. ¿Qué tul, Jethro?

Pescadas - Pescadas

Nota: 10+
Mejor tema: Imposible.

Peor tema: Si ya elegir un mejor tema es imposible, imagínense lo que será elegir el peor.

1)      Canto de advertencia I
2)      Canto de advertencia II
3)      La tempestad
4)      Ensueño
5)      Sirenas
6)      El soldado
7)      El sol
8)      Índu
9)      Let’s Be
10)    Expedición al espacio
11)    Pájaros
12)    Canoa india
13)    El aviador
14)    Demencia capilar

15)    Rapsodia dislocada

Todos tenemos nuestras opiniones polémicas musicalmente hablando. Hay quienes dicen que los Beach Boys son más grandes que los Beatles, otros dicen que Charly García era un mero importador de ideas ajenas, otros dicen que Callejeros y La Beriso son distinguibles… así podría seguir. Hoy voy a traerles una opinión, más que polémica, demencial. Digna de que me encierren en el penal de Ezeiza (ni siquiera en el Borda), rompan la llave y escondan con custodia las diferentes partes en los lugares más recónditos del mundo. Dicha opinión es que Pescadas, un grupo surgido en el siglo XXI que solo llegó a grabar dos discos y del que no hay casi nada de información en internet, es una de las tres o cuatro mejores bandas de todo el rock argentino y que su fundadora debería estar contemplada entre los genios de nuestra música. No, gente, esto no es bait. Estoy siendo absoputísimamente sincero. Solo tengo elogios para este grupo, y voy a desarrollar esto a continuación.

Como dije antes, no encontré mucha información de la banda en internet, hasta el punto en el que tuve que ir a su canal de Youtube, abrir el video del debut y sacarle captura a la portada del mismo para tener una imagen aceptable que presentar. Y para tener información sobre esta grupa, me comuniqué con la fundadora: Vanesa «Van Shake» Jiménez. Ella me contó algo de la historia de este conjunto. Además de ella, en este disco tocan Luciano «Jinete descabezado» Villalonga en la guitarra, las voces y los efectos e Irene «Condesa Arin» Villalonga (hermana de Luciano) en la batería. Sí, gente. Este trío con apodos que bien podrían ser de personajes de Marvel o DC Comics hicieron el mejor rock que escuché en mucho tiempo. En cuanto a la historia, la banda surge de la unión de dos personas: la mencionada Vanesa y una tal Claudia cuyo apellido no pregunté por olvidadizo. Allá en los 90, Vanesa había ido a un festival de punk y había conocido a una banda llamada Expulsados (de la cual no se declara fan pero sí que le había ayudado a encontrar un grupo de pertenencia relacionado con el rock) además de a la tal Claudia, quien le contó que estaban formando una banda que ya tenía una cantante (ella misma) y una baterista llamada Irene Villalonga. Se pasaron los teléfonos y quedaron en contacto. Este fue el germen de Pescadas, que en ese entonces se llamaba Feromonas y hacían rock psicodélico (una mezcla entre Pink Floyd y Deep Purple según me contó).

A Jiménez la invitaron a tocar en Ezeiza, que es donde vivía Irene. En esa casa tenía un órgano Farfisa modelo hogareño (tipo mueble), lo que representó su primer contacto con un instrumento más antiguo. Probaron también con agregar guitarras, para lo que se sumó el hermano de Irene. Fueron un cuarteto por un tiempo hasta que Claudia se bajó y quedó reducido a trío, además de ya no tener nombre la agrupación. Tiempo después fueron invitados a un recital de una banda llamada Los zorros petardos salvajes, que hacían un estilo surf rock. El trío aceptó porque no tenían más que un pequeño nicho en el que encasillarse, y la fecha fue en Caseros, más específicamente en un centro cultural. Ahí se presentaron finalmente como Pescadas, y eligieron ese nombre por una marca de inodoros. Esa presentación podría considerarse su bautismo, y de a poco fueron ampliando más y más su propuesta escénica mediante la inclusión de bailarines e incluso con los miembros del grupo disfrazándose de pescados en sus conciertos. Todo fue escalando y escalando hasta que tuvieron la oportunidad de grabar su disco, el cual trabajaron durante 2004 pero que se retrasó por la tragedia de Cromañón y finalmente fue lanzado en 2006. Como dato adicional, el disco tardó 29 horas en total en ser terminado. Algo así como cuando los Beatles grabaron su debut en doce horas. Ahora sí, vamos a hablar de este trabajo.

Bueno. Que el disco es una obra maestra es algo que quedó muy claro. Tan claro como los sentimientos del grupo Árbol hacia Osvaldo, personaje de la canción Prejuicios. La pregunta del millón es, ¿por qué considerarlo una obra maestra? Y la respuesta es tan simple como la filosofía de Paulo Coelho: las canciones son individualmente estupendas y conforman un todo aún mejor. Un amigo definió a este disco como «Crucis si fuera punk», y muy alejado de la realidad no está. Bah, siendo sinceros, estas quince canciones son cortas y lineales hasta el punto en el que no se las puede encasillar en el rock progresivo ya que no hay grandes cambios de ritmo ni ningún sentimiento épico, pero yo no soy de esas personas que le dan importancia a qué tan progresivo es un disco por sobre qué tan bueno es. Acá hay apenas una o dos ideas musicales por tema, ¿pero desde cuando eso es algo malo? Digo, todos amamos a AC/DC y a los Ramones y ellos basaron toda su carrera en una o dos ideas. Al menos Pescadas prueba cosas diferentes en cada canción y nunca se sienten repetitivos. Eso solo los genios lo logran, y Vanesa Van Shake y compañía definitivamente lo son. Vamos a las canciones.

El álbum empieza con el golpe doble de Canto de advertencia, que tiene dos partes. La primera (una de las dos canciones compuestas solo por Vanesa) tiene pocos decibeles, pero respira tensión gracias a esos arreglitos de piano que parecen polvo de estrellas y esas disonancias controladas que parecen la alarma de un laboratorio del cual se escapó un monstruo. Ese monstruo bien podría ser la segunda parte, que está construida sobre un riff metalero al estilo de King Crimson y un solo arabesco de guitarra que saca chispas por la fricción. Mientras tanto, el ritmo machaca y los trallazos de guitarra viajan de un parlante a otro. El efecto es demoledor. La tempestad tiene un ritmo de bajo bien peliculero sobre el cual Vanesa toca más melodías dignas de las mil y una noches, y el Jinete Descabezado nos descabeza con sus solos astrales. El tema termina con ese ruido que hacen las máquinas de los hospitales que miden el ritmo cardíaco de los pacientes, lo cual conecta con la siguiente canción: Ensueño. Ya el nombre lo dice todo. Es el primer tema cantado, y tanto la letra como la melodía y los juegos de voces nos hacen entrar un estado onírico. Se podría decir que hay más relación entre este tema y Canto de advertencia II que entre este último y su primera parte, aunque a su relación hay que vivirla y no explicarla. Pero volviendo al presente, se pone más pesado hasta que todo termina siendo una pesadilla viviente en el último minuto. Aunque bueno, ellos nos advirtieron que eso pasaría cuando cantaron «Algo está por llegar/oscuridad y tinieblas/¡Váyase!». El que avisa no traiciona. El primer tercio del disco termina con Sirenas, que no suena precisamente a sirenas cantando pero es igual de hipnótica. Tiene un riff más surfero y unas atonalidades de teclado inesperadamente adictivas. Estamos bien y vamos para mejor.

El soldado tiene un sonido de teclados muy a lo The Doors (por momentos me recuerda muy convenientemente a The Unknown Soldier de estos) y empieza melódica para después volverse abrasiva, pero siempre con naturalidad y sin forzar la marcha. Le sigue El sol, que es la única canción compuesta en exclusivo por Luciano. Arranca sonando a una mezcla entre sitar y el jangle de grupos como los Byrds o Big Star, pero después viene la voz a cantar una gran melodía con un marcado acento argentino, lo que construye un auténtico mantra argentino. Sí, gente, mucho se habla de mantras hindúes, así que eso implica la existencia de mantras de otras nacionalidades y religiones. Mantra argentino está bien. Índu no engaña a nadie y ahora sí que suena a uno de los de toda la vida. Al principio parece un garabato de sitares, pero después entran el bajo y la batería y toma forma con más excelentes melodías que nos van a sumergir en un trance profundo. Al toque viene Let’s Be, el otro tema escrito por Vanesa en solitario y que arranca muy eclesiástica para después convertirse en un símil White Rabbit (el tema de Jefferson Airplane), pero siempre con la impronta de Pescadas gracias a su solo de teclado que parece sacado de un videojuego viejo de terror. Y debemos entender como «videojuego viejo» a los de los 80 y 90, no a cosas como la PS2, PS3 o la Xbox 360 (que ahora son retro, le pese a quien le pese). El inicio de Expedición al espacio me recuerda un poco a ciertas partes de European Son de la Velvet Underground, pero por suerte esto es música y no ruido. Después se va desarrollando hasta que pasado primer minuto se termina pareciendo a algo que haría Dick Dale si hubiera sucumbido a la psicodelia en su momento. Genial.

Pájaros tiene ese inicio rítmico que por algún motivo me hace pensar en Fantasía 2000 de Disney, más específicamente en la escena de las escobas que limpian. Después de eso va teniendo varios cambios, pasando por arpegios psicodélicos, crescendos cuasi sinfónicos y hasta una sección más tranquila donde escuchamos coros y el canto de los pájaros, como para que no se nos olvide el título del tema. Cerramos con un riffeo musculado de surf rock, lo que termina de redondear el carácter de «minisuite» de esta pieza. Le sigue Canoa india, que está llena de xilofones, cornos y disonancias, pero logra un efecto muy placentero y bien trabajado. Muy bueno. El aviador también empieza desordenada, pero de a poco va tomando color y organizándose al estilo de «La comunidad organizada». Bah, no leí ese libro ni nada de Perón, pero escuché lo suficiente de sus discursos y estudié lo suficiente como para saber para donde va. Como sea, es un temón y me encanta su teclado carnavalesco. Después viene Demencia capilar, que no suena muy capilar pero definitivamente es una demencia. Es un poco parecida a Canoa india pero incluso mejor, sobre todo porque acá la banda desata su locura como no lo hacía en aquella, y los remates suenan al mundo llegando a su fin. Para cerrar tenemos Rapsodia dislocada, que por momentos es hasta mi favorita del disco. Su riff de guitarra alimentado a teclados es impresionante, e incluso la sección cantada a lo Captain Beefheart termina siendo imponente y flashera. Escuchen también los solos de guitarra. ¿Se les ocurre otra forma de cerrar un disco así? A mí no, y prefiero no hacerlo. Mi imaginación podría no estar a la altura de la realidad.

Y bueno, gente. Acá tienen un clásico de clásicos del siglo XXI del tercer milenio. Los que dicen que después de los 90 no hubo nada bueno en materia musical es porque son unos nostálgicos insufribles o porque no investigaron bien. Aunque no los culpo si es el segundo caso, ya que Pescadas es un grupo demasiado under, y no lo digo en el sentido de hacerme el sabelotodo, sino más bien en un sentido objetivo, porque la única verdad es la realidad (y dale con Juan Domingo). Desgraciadamente esta banda solo sacaría un disco más antes de separarse, pero nada se le puede hacer. Es más, ese disco es incluso mejor que este, por imposible que parezca eso. Definitivamente, Pescadas es mi más grande descubrimiento del año junto con Músicos Independientes Asociados y con el hecho de que las actrices Anna Gunn y Ana de Armas tienen el mismo nombre en diferentes idiomas. No se los pierdan.

Boston - Don't Look Back

Nota: 7
Mejor tema: Don’t Be Afraid.

Peor tema: Feelin’ Satisfied.

1)      Don’t Look Back
2)      The Journey
3)      It’s Easy
4)      A Man I’ll Never Be
5)      Feelin’ Satisfied
6)      Party
7)      Used to Bad News

8)      Don’t Be Afraid

Volvemos a terreno radioformulero con nuestros queridos Boston. Bah, no sé si demasiado queridos por ustedes, pero sí por mí. Y tampoco es que yo sea el mayor fan, ojo. Pero sí que considero a su debut, quizás, la cúspide del AOR (Adult Oriented Rock o, en cristiano, rock para las radios). Supongo que al leer estas palabras y ver la nota que le puse a este disco, pueden visualizarme mentalmente con cara de decepción y asumir que esta reseña va a estar infestada de este sentimiento. Este… sí. ¿Para qué digo que no si sí? Pero tiempo al tiempo, mis queridos padawans con alto nivel de midiclorianos en sangre y poca conexión con aquello que las películas originales de Star Wars nos enseñó que realmente se necesita para ser un jedi. Voy a explicarles con precisión de creador de mundos ficticios a lo George Lucas lo que pasó entre el debut y este segundo trabajo los motivos de mi desilusión. Aunque sin las inconsistencias argumentales de este señor, por supuesto.

A este disco se lo empezó a componer y a grabar apenas un año después de la salida del debut. Esto es, en 1977. Y fue lanzado al año siguiente al año en el que se lo empezó a componer y a grabar. Esto es, en 1978. Un 90% del trabajo se hizo en Hideaway Studio, que era el estudio de Tom Scholz, mientras que la canción A Man I’ll Never Be fue grabada gracias al ingeniero (pero no feto ingeniero) Dave Butler en Northern Studio. Los temas de difusión fueron Don’t Look Back, A Man I’ll Never Be y Feelin’ Satisfied, y su éxito fue considerable aunque inferior al del debut (el presente trabajo fue número uno en Estados Unidos y Canadá y número nueve en Reino Unido). Vendió más de un millón de copias en poco más de diez días y tuvo siete certificaciones al platino en Estados Unidos el 11 de abril de 1996. Se puede decir que, incluso sin contar esto último que pasó casi veinte años después de su salida, al disco le fue muy bien y confirmaba a Boston como la banda del momento en los 70. Sin embargo, Scholz cortó relaciones con Epic después de su lanzamiento ya que se quejaba de que la disquera los apuró para sacar el trabajo, y él no se sentía conforme todavía con el resultado, pues así de perfeccionista era. Pero ya vamos a volver a esto. Vamos al disco en sí.

Bueno, ¿qué es lo que me molesta del disco? Varias cosas. Veamos. Lo primero es que el disco no evoluciona EN LO MÁS MÍNIMO con respecto al debut. Es la misma fórmula sin un solo intento de avance artístico. Está bien que no hay que arreglar lo que no está roto pero, para un tipo tan obsesivo de los resultados como lo es Tom Scholz, uno esperaría algún riesgo o cambio. Aunque bueno, supongo que puedo perdonar eso, ya que bandas como King Crimson o Metallica también se han autoplagiado y no les salió nada mal (escuchen «In the Court of the Crimson King» e «In the Wake of Poseidon» uno después del otro, y «Master of Puppets» después de «Ride the Lightning» para entenderme). Ahí está el segundo problema: que Boston ni siquiera hace una copia lo bastante buena como para que perdonemos la repetición constante. Las canciones están bien y se pueden escuchar, pero son tan normalitas que uno se muere por terminarlas para escuchar sus muy superiores plantillas. También, aunque sé que esto no es culpa del grupo, es un disco claramente incompleto. Se perciben algunas buenas ideas (siempre partiendo de la base de que son ideas recicladas), pero se pueden escuchar los meses de laburo que les faltó para que fuera algo más acabado. No solo los temas se vuelven repetitivos, sino que además el orden de estos es medio aleatorio. Un tema como The Journey hubiera quedado mejor como introducción del disco en vez de como segundo tema, mientras que Don’t Be Afraid me parece muy repentino como cierre, el cual hubiera estado mejor con A Man I’ll Never Be. Son todos errores que se van sumando y empañando el resultado final, el cual tampoco creo que hubiera sido despampanante con más tiempo, pero quizás sí terminaba siendo más sólido. ¿Qué le vamos a hacer?

Arrancamos con el tema título, que presenta una potencia aceptable en la guitarra y los versos, hasta que el estribillo se vuelve algo más lento y arrastrado. Parecería que están tratando de trabajar sobre la fórmula de More Than a Feeling de aumentar la intensidad a tope para después bajarla, pero no logran el mismo gran resultado, y queda como dos canciones que nada tienen que ver entre sí. Después tiene un buen solo de guitarra que es fiel al estilo del líder del grupo, pero partes aisladas de una canción no pueden salvar un todo irregular, encima de que dura seis larguísimos minutos la canción. En conclusión, decente inicio pero que podría haber sido mejor. Después viene The Journey, que es un interludio instrumental de tintes eclesiásticos. Según dijeron desde el propio grupo, la intención de este track es crear un tono similar a una revelación religiosa mezclada con la temática extraterrestre que sugiere la portada del disco. ¿Qué puedo decir? Todo bien, Scholz, pero este tipo de cosas dejaselas a Jimi Hendrix, que él sí sabe traer el espacio exterior a las seis cuerdas. Como dije antes, por ahí hubiera zafado si la ponían como introducción de disco, pero queda muy fuera de lugar cuando ves (escuchás) que desemboca en It’s Easy y no pega ni con plasticola. Al menos de Foreplay a Long Time había una transición delicada y pareja. Pero bue. Con respecto a la mencionada It’s Easy, es como una mezcla entre la melodía instrumental de More Than a Feeling, la parte cantada de Something About You y las alternancias de Long Time. Acá es donde podemos aplicar la dicotomía del vaso medio lleno o medio vacío. Si lo vemos como composición, es una mezcla de demasiadas cosas sin relación. Si lo vemos como una mezcla de demasiadas cosas sin relación, es una aceptable composición. Suena a que estoy siendo piadoso, pero en sí me parece una mala idea mezclar tantas ideas musicales diferentes cuando no hay genialidad que lo justifique, así que voy a ver el vaso medio vacío y decir que es un tema meramente pasable, por más que no sea el desastre que podría haber sido. Lo más rescatable de esta primera mitad es la balada A Man I’ll Never Be, que es de lo poco que se aparta en cierta medida de la fórmula del primer disco. Tampoco es que sea una sorpresa increíble, ya que se pueden seguir rastreando elementos del disco anterior si los buscamos con lupa, pero al menos puede llegar a dar la ilusión de novedad si no somos tan estrictos. No solo eso, sino que la melodía de piano es bella y las guitarras logran algo parecido a una catarsis de esas que Boston es capaz de generar. Quizás sus casi siete minutos son un poco largos, pero yo no me aburro en ningún momento. Una buena canción.

Feelin’ Satisfied arranca con casi el mismo riff que Rock and Roll Band, pero la melodía vocal y el riff que corta los versos obviamente están sacados de Peace of Mind, lo cual termina de confirmar el solo de guitarra. Si bien ninguno de los plagios de este disco es sutil, acá es tan obvio que me descompone el tema. Es técnicamente decente, pero el problema es que es tan «técnicamente decente» que no genera ninguna emoción profunda. Después tenemos Party, que vendría a ser el equivalente de Smokin’. Tan equivalente es, que también está compuesta por Delp y Scholz en forma colaborativa. Al menos la melodía es diferente, pero sigue siendo intrascendente y meramente agradable. Como en este disco se copiaron hasta el reparto en el protagonismo compositivo, tenemos otro tema de Brad con Used to Bad News. El inicio tiene ese mismo tono líquido de Let Me Take You Home Tonight, pero tiene una parte vocal todavía más agradable, una bien lograda explosión de guitarras y unos ribetes pseudo progresivos del órgano que la hacen bastante superior a aquella. Bien ahí, el bivalvo de tu hermana biológica. La segunda mejor canción del disco. La mejor es Don’t Be Afraid, en la que las guitarras brillan en toda su gloria, la melodía vocal es muy buena, las armonías vocales nos devuelven la alegría de vivir y el estribillo nos hace imaginar a un estadio entero cantando, pero cantando porque el tema es genuinamente bueno y no porque es una regla no escrita que a ese estribillo hay que cantarlo. Me llama la atención que esos «Oh oh oh» me recuerdan demasiado a Lick it Up de Kiss. Justo a esa banda poronga me tenían que remitir. Pero puedo perdonarlo porque Boston tiene más talento y porque Don’t Be Afraid es anterior. Por cierto, este tema es el único que había sido compuesto antes de que empezaran las grabaciones de este disco, ya que data de las primeras demos del grupo.

Imagínense hasta qué punto estaban creativamente agotados que su mejor canción acá es un tema de la primera época, y que el material más nuevo no es otra cosa que una sombra de su (por aquél entonces no tanto) vieja gloria. En los años 70 se había instalado la falsa leyenda de que More Than a Feeling era una canción hecha íntegramente con inteligencia artificial. Considerando lo limitada que resulta la IA en pleno 2024 cuando se trata de crear, quizás deberían haber sospechado no de un tema claramente original e impecable, sino de este disco entero donde el plagio abunda y la originalidad no aparece ni en figuritas. Si bien entiendo a Tom Scholz al estar enojado porque la disquera no le permitió pulir su trabajo, también creo que debería agradecerles porque al menos puede tirar la excusa de que el bajo nivel que hay acá no es responsabilidad suya. Y es que creo que el disco hubiera seguido siendo regular aunque hubiera tenido cinco años más de tiempo para terminarlo, y se nota por la cantidad de reciclajes constantes que dudo de que hubieran dado lugar a algo mucho mejor. ¿Por qué le pongo un siete, entonces? Bueno, porque no hay nada que se pueda llamar «ofensivo» (por muy intrascendente que sea) y porque hay tres canciones genuinamente buenas, de las cuales una es la más larga del disco. El disco dura 34 minutos y los temas buenos suman catorce, mientras que The Journey es más una introducción que una canción real. En total, podemos decir que hay catorce minutos buenos de 32. Casi un 50%. No está muy bien, pero tampoco está mal. Considerando que mucha gente dice que los siguientes discos no recuperarían el nivel de los dos primeros, se puede asegurar que acá aparecen los últimos vestigios de gloria de Boston, con la brutal Don’t Be Afraid cerrando una época. Es una cagada que terminaran su mejor momento de manera tan tibia, pero prefiero estos pequeños destellos de genialidad que nada. Además, comparado con lo poco que me gustaba el disco en un principio, se podría decir que pudo haber sido mucho peor. Lo tomo, pero con reservas. Con reservas, pero lo tomo.

The United States of America - The United States of America

Nota: 9+
Mejor tema: Hard Coming Love o The Garden of Earthly Delights.

Peor tema: The American Way of Love.

1)      The American Metaphysical Circus
2)      Hard Coming Love
3)      Cloud Song
4)      The Garden of Earthly Delights
5)      I Won’t Leave my Wooden Wife for You, Sugar
6)      Where is Yesterday
7)      Coming Down
8)      Love Song for the Dead Che
9)      Stranded in Time

10)    The American Way of Love

The United States of America, probablemente la banda más infravalorada de la historia. Con esto no quiero decir que sean la banda más olvidada de todas o la mejor cualitativamente hablando. Hay muchos grupos que los superan en ambos aspectos. Lo que quiero decir es que, si ponemos en una balanza su calidad musical y el poco reconocimiento que tienen, nos vamos a dar cuenta de que es uno de los grupos a los que más injustamente se les negó el éxito e incluso el derecho a existir. Aunque es entendible. Ahora vamos a desarrollar un poco esto.

Este grupo se formó en 1967 y se disolvió en 1968. Hasta ahí podría llegar la biografía, ya que no pudo haber pasado mucho de interesante en el mero lapso de un año. Afortunadamente para ustedes y para mi escritura, pasaron bastantes cosas en el seno de la banda en el mero lapso de un año, y las vamos a enumerar. La historia de este grupo se centra en (pero no se reduce a) Joseph Byrd. Este tipo era un musicólogo que había estudiado música y composición en la universidad de Arizona, además de que había hecho un posgrado al respecto en Berkeley. Después de estos estudios, se mudó a Nueva York, en donde trabajaría con Morton Feldman (nada que ver con Gordon Freeman de Half Life ni con el actor Morgan Freeman. Ya que estamos tampoco tiene relación con Marty Friedman de Megadeth) y con John Cage, que se especializaban en la electrónica y el minimalismo. A esto hay que sumarle la influencia que tenía sobre Byrd el alemán Karlheinz Stockhausen. Como podemos notar, no existe el más mínimo atisbo de rock en todas estas influencias. Entonces, ¿cómo es que se decidió a formar una banda de rock? Ya vamos a llegar a eso. A la historia de este tipo hay que agregar un nombre femenino: Dorothy Moskowitz. Joseph había conocido a esta chica en 1963 en la ya mencionada Liberty City Nueva York mientras este trabajaba en la grabación de música de la época de la Guerra Civil estadounidense para Time-Life. Se mudó con Dorothy a Los Ángeles ese mismo año y de ahí empezó a estudiar todo lo antes mencionado. También hay que destacar que se interesó en las políticas radicales y hasta se volvió miembro del partido comunista, lo cual tendría influencia en su arte. En 1966 se rompería su relación, y Moskowitz volvería a Nueva York, aunque seguiría en contacto con Byrd. A principios del 67, este empezaría a formar una banda de rock con el compositor Michael Agnello (nada que ver con el pintor Miguel Ángel ni con la tortuga ninja Michelangelo), Dorothy, el bajista Stuart Brotman (que venía de Canned Heat y que para nada está relacionado con Kent Brockman de los Simpson) y el experto en percusiones africanas llamado Craig Woodson. Llegaron a grabar algunas versiones primerizas de varios temas con esta formación, pero Agnello y Brotman dejaron al poco tiempo.

Al poco tiempo se le sumarían otros músicos que conformarían su primera alineación pública: Gordon Marron en violín y Rand Forbes en bajo. Entonces se volvieron un quinteto, pero Byrd invitó a ciertas grabaciones a Ed Bogas en teclados, ya que era un instrumento muy en boga. Nah, mentira. No lo invitó por eso, pero tenía que decirlo. Volviendo a la banda, Joseph se contactó con el ingeniero Tom Oberheim (en este caso no voy a hacer ninguna referencia a Oppenheimer. No, señor) para que le construyera un modulador de anillo, el cual después reemplazaría con osciladores electrónicos. A todo esto hay que sumarle que Marron le metió un divisor de octavas al violín eléctrico y que Woodson usó micrófonos de contacto en la batería y de esos resortes metálicos de juguete («slinkies» en inglés) a los timbales para darle un sonido más particular. Y si ven que no nombré la guitarra en ningún momento es por el hecho de que el grupo decidió prescindir de ella e imitar su sonido con los violines y sintetizadores. El objetivo de todo esto, de acuerdo a las palabras de su líder, fue «crear un grupo de rock politizado y avantgarde que mezclara sonoridades electrónicas, radicalismo musical y político y una performance artística». En cuanto al nombre de la banda, Dorothy explicaría que el objetivo era ser lo más provocadores posibles al usar el nombre de un país entero y todo lo que este representa en un grupo que va en contra de sus valores como forma de expresar un descontento político. Hecho todo esto, grabaron una demo que llamó la atención de Clive Davis (de la disquera Columbia), y fue gracias a su amigo David Rubinson Crusoe que consiguieron un contrato. Grabaron el disco a finales de 1967 y finalmente lo lanzaron al público en 1968.

¿Qué podemos decir del disco en sí? Y… que la palabra «rarito» no le hace justicia. Es un delirio total. Ni siquiera sé si llamarlo rock a lo que suena acá. Digo, las composiciones claramente imitan las melodías y estructuras de la música popular de aquél entonces, pero el tratamiento sonoro y el espíritu contracultural van mucho más allá de cualquier definición que uno le quiera poner. Hay rastros de música concreta, de protoelectrónica, de avantgarde, de psicodelia e incluso se notan influencias de la música yanqui de comienzos del siglo XX, en la cual logran ese extraño punto medio en que las melodías suenen tradicionales (como si realmente hubieran sido grabadas en el 1900) y raras (por todos los arreglos bizarros que le meten). Es muy difícil de describir. Sin embargo, como sugerí antes, las canciones realmente son pegadizas y están muy bien hechas más allá del collage sónico que las envuelve, y los sonidos electrónicos que ofician de sustituto de la guitarra hacen que realmente no la extrañemos en absoluto. El único motivo por el que no le pongo un diez al disco es por motivos estructurales más que musicales. Es decir, juntaron todos los temas excelentes uno atrás del otro y dejaron los temas «menores» desperdigados al principio y al final, de modo que se nota la diferencia de calidad. Ningún tema baja de «muy bueno», pero igual hubiera preferido más alternancias entre el nivel alcanzado. Una lástima.

El disco empieza con una música muy circense y mecánica a la vez, como si fuera la versión musical de «Tiempos modernos» de Charles Chaplin, hasta que entra Dorothy que no canta ni recita, sino un extraño punto medio. Es como si más bien nos ordenara que se nos pegue la melodía. A medida que avanza la canción, todo se va volviendo más robótico y electrónico, como si la maquinaria ganara más personalidad que lo humano. ¿Entienden bien por qué comparo esta canción con «Tiempos modernos»? The American Metaphysical Circus no es un gran tema en lo musical, pero gana puntos a rolete por ser una de las introducciones de disco más bizarras y particulares que haya escuchado nunca. Una experiencia que sí o sí merece ser experimentada. Pero si queremos delirar no solo con el concepto sino también con la música, se viene una seguidilla de seis temazos impresionantes. Hard Coming Love es hard rock, psicodelia y avantgarde a la vez. Esa símil guitarra mezclada con las líneas funky de bajo y el ritmo demoledor de batería crean un arranque estruendoso que nos va a hacer hervir la sangre a miles de grados Celsius y millones de grados Fahrenheit. Se siente eterna la introducción, pero es de esa eternidad que queremos que lo sea. Al minuto y veinte termina de manera repentina esa intro para pasar a la voz de Dorothy, que canta una de las melodías pop más inesperadas y pegadizas que se nos pueda ocurrir. Después de cada estribillo viene un ataque sonoro de sintetizadores que separan adecuadamente cada sección del tema, y así hasta llegar a casi cinco minutos. Esta es una de las canciones esenciales del rock de todas las épocas. La canción termina con un sonidito tranquilo de sintetizador que suena muy a «el equipo Rocket ha sido vencido otra veeeeeeeeeez», pero que siento que queda mejor como introducción de la siguiente pista, Cloud Song. Si alguna vez quieren saber el significado de la palabra «contraste», escuchen estas dos canciones una después de la otra. Tras la pesadilla de ruido blanco, viene una hermosa melodía que realmente da la sensación de estar flotando en una nube de música. Moskowitz suena más tierna que nunca, y esos arreglitos de clavicordio y violín son una ricura. Este tema no solo se adelanta a la música new age y ambient, sino que casi hasta las vuelve innecesarias (nah, mentira. No te vayas, Brian Eno. Te amamos, aunque a veces grabes cualquier boludez con la excusa de ser música de meditación). Belleza en estado puro.

Más rockera pero menos estruendosa que el promedio es The Garden of Earthly Delights, que empieza con un irresistible riff de órganos y sintetizadores, seguido por un veloz solo de bajo y la mejor melodía vocal del disco que alcanza su apogeo en ese «You will find them in her eyes/in her eyes/in her eyes», todo rodeado de soniditos de sintetizador que parecen disparos láser. Quizás el mejor tema del disco junto con Hard Coming Love. I Won’t Leave My Wooden Wife For You, Sugar es una curiosa mezcla de brit pop, country y una letra de tintes BDSM (el título del tema debería ser un indicativo de para dónde van los tiros). La melodía es recontra pegadiza, los sonidos de sintetizador que se asemejan a objetos pesados cayendo en una escena de un dibujito animado le dan más diversión al conjunto y el final repentino en el que parece que tocaran algún tema tradicional estadounidense del siglo XIX es muy contestatario. Bah, todo el tema está hecho para levantar polémicas, tanto en lo lírico como en lo musical (por la mencionada cita musical). Como no soy estadounidense ni conservador, puedo disfrutarlo como una genialidad única. Y, como nuevo contraste, tenemos el pseudo himno budista Where is Yesterday, con su fenomenal melodía mantraica y un manejo de las voces y los coros que ya quisieran los Beach Boys. Cada tanto aparece la batería para darle un ritmo aletargado y el ruido de los sintetizadores para volverlo más experimental, pero las voces solas ya hacen valer el tema. Uno de los mejores exponentes de este tipo de sonido. Para cerrar con la seguidilla de temazos, tenemos la rockerísima Coming Down, con su colorido solo de teclados sobre el que caen unas notas graves de sintetizador imitando una guitarra pesada, otra melodía vocal de calidad y varios ribetes electrónicos haciendo de solos de guitarra. Qué buena seguidilla.

Lo malo es que los tres últimos temas no llegan al mismo nivel, pero lo bueno es que siguen siendo muy buenas canciones que encima de todo aportan aún más diversidad al conjunto. Love Song for the Dead Che es una balada medio barroca, medio tango. Esto último viene muy bien considerando que su letra es una dedicatoria al recientemente fallecido (en aquél entonces, se entiende) Che Guevara. Muy seguramente por este tipo de cosas es que la banda no tuvo el éxito necesario, pero son los riesgos de una postura radical. Mejor que ser tibio es, eso seguro. Stranded in Time es un tema mezcla de pop con música clásica (a lo Eleanor Rigby) de muy buena melodía y una gran interpretación vocal de Joseph Byrd. Según se cuenta, nunca la tocaron en vivo porque requería un cuarteto de cuerdas y porque al grupo no le gustaba, aunque la incluyeron en el disco porque a Rubinson le encantaba. No la marco como temazo porque se siente medio subdesarrollada, pero es un muy buen tema dentro de lo que cabe. Ténganlo por seguro. Para cerrar el disco, la suite The American Way of Love, que vendría a ser como un resumen de todo el disco. Y no digo esto solamente porque musicalmente reúne ideas y conceptos de las nueve canciones anteriores, sino porque también incluso mete pedazos de esos temas. Hoy por hoy puede sonar a una idea muy quemada, pero en su momento no era nada común este tipo de reprises. Más allá de esto, tiene muy buenas melodías, pero por momentos se vuelve muy densa y ruidosa, además de que seis minutos y medio puede ser mucho para algunos. Igual, no me disgusta en absoluto y constituye un muy adecuado final para este disco tan revolucionario que ofició de debut y despedida.

Sí, gente. Dije debut y despedida. Es que, después de la grabación de este disco, los Estados Unidos de América pasaron a ser los Estados Desunidos de América, con todos los miembros peleándose y cada quién teniendo su propia visión artística, a lo que hay que sumarle el poco interés económico de la disquera por mantener activo el proyecto, con lo cual se tuvo que separar la banda. No es que todas estas cuestiones hubieran surgido con el tiempo, sino que el grupo ya había nacido cargando estos problemas. Por lo que contó Byrd, incluso durante las grabaciones había conflictos, hasta el punto en el que cada sesión de grabación era también una sesión de terapia. A esto agregó que ese es el peligro de trabajar con personas de ideales tan diferentes e irreconciliables. Como sociedad argentina que somos en este lado del charco, deberíamos aprender a trabajar unidos y no dejar que las diferencias nos dividan. Este es el manifiesto comunista musical de Joseph Byrd que yo he decidido convertir en un manifiesto patriótico peronista para el pueblo argentino. O algo así. Pero bueno. Al menos de este experimento nos quedó un discazo que se adelantó a todo y que era diferente a todo en la época en la que la música de por sí se adelantaba a todo y era diferente a todo. Si alguna vez se quiere escuchar los inicios de géneros como el krautrock y de bandas como Radiohead, Portishead y otras bandas que pueden incluir o no la palabra head en el nombre, recomiendo mucho este trabajo. Completamente único y novedoso incluso con el pasar de las décadas.